Option Théâtre !

Allez chercher le dossier de presse du spectacle sur le site du Théâtre 71

http://www.theatre71.com/IMG/pdf/th71_dp_eveil_du_printemps.pdf

Parcourez-le en notant dans votre cahier de théâtre ce qui vous paraît intéressant :

           - sur la pièce de Wedekind

           -sur le spectacle de Omar Porras

           -sur les pistes que nous pourrions éventuellement suivre dans notre travail de l'année.

Préparation individuelle (25 minutes) puis mise en commun (25 minutes).

(photo de Thibaut Baron trouvée ici)

« Nous, c'est quoi notre rapport à notre père ? » C'est ainsi que Wajdi Mouawad, l'auteur de Forêts et d'Incendies définit l'interrogation au cœur de Littoral.  La figure paternelle, cher à l'auteur, est en effet celle qui va pousser Wilfrid, jeune homme dans la vingtaine, à se poser des questions sur sa propre existence; ce qui le conduira enterrer son père dans sa terre natale, dévastée par la guerre. 

  Dés les premiers instants, Mouawad dérange, déstabilise, brouille nos nos repères habituels spectateur. Il n'hésite pas en effet à faire bouger et parler les morts ( le père observe et commente ce qui se passe autour de lui comme si de rien n'était) et à briser l'illusion théâtrale (en plein milieu d'une scène tragique, les acteurs se demandent entre eux si le changement de lieu a été effectué et s'ils se trouvent ou bien chez Wilfrid, ou bien aux funérailles du père de celui-ci).

  On peut distinguer deux parties distinctes dans Littoral. La première partie est marquée par un fort côté artistique presque expérimental qui prend ici tout son sens. Mouawad n'hésite par à utiliser de la peinture à même le corps des acteurs pour intensifier certaines scènes. C'est le cas notamment de la scène où la mère de Wilfrid meurt en lui donnant naissance; celle-ci déverse alors sur elle un pot de peinture rouge sur son visage, symbolisant ainsi le flot de sang.

  En outre, l'auteur a choisi de personnifier les pensées et les peurs de Wilfrid en un chevalier étrange, part d'enfance de celui-ci, qui le protège contre la réalité du monde qu'il doit affronter.

La deuxième partie commence alors que le décor qui formait un mur bascule littéralement, ce qui peut être interprété comme un retour à la source de l'être qu'il est. Débute ensuite un voyage initiatique dont le but pour Wilfrid est d'enterrer son père. Sur son chemin, il rencontre plusieurs personnages qui ont également perdu leur famille, et qui décident de l'accompagner jusqu'au littoral.

(photo de Thibaut Baron)

« J'avais envie de faire un spectacle qui mettrait en scène trois personnages » nous dit Mouawad: l'Idiot de Dostoïevski, qui cherche à venger son père; Œdipe, qui a tué le sien; et Hamlet de Shakespeare, qui lui ne l'a pas connu. On retrouve donc ces trois personnages dans Littoral.

 Mais Wadji Mouawad va plus loin en critiquant "ces pères qui ont sacrifiés leurs fils » en les envoyant à la guerre, comme le dit l'un des personnage qui suggère: « les parents, on devrait les éventrer ».

  Dés lors, comment interpréter le titre de la pièce, Littoral ? Nous savons tous que ce terme désigne « la zone située en bordure de mer » (Hachette) c'est à dire ce qui relie la mer à la terre; un ensemble à un autre. On peut donc y voir l'un des autres thèmes de la pièce, à savoir la relation entre les vivants et les morts, comme en témoigne l'omniprésence du défunt père qui semble bien vivant sur scène et qui est pourtant mort. En définitive, Wajdi Mouawad interroge donc le spectateur sur la place que tient le père dans une famille ainsi que sur nos rapports avec celui-ci. 

    Le 26 novembre, nous sommes allés voir au théâtre 71 la pièce We are l’Europe. Elle montre les réflexions d’une sorte de troupe, une bande d’amis, qui se réunissent afin de sauver l’Europe « qui part en sucette ». Pour sauver celle-ci, ils vont mettre en place un spectacle de super-héros avec lumières tapageuses, chansons de variété,  et costumes super moulants ; donnant à leur spectacle un gout kitch assez particulier. Néanmoins, celui-ci véhicule un vrai message, une vraie réflexion sur notre société, sur l’Europe, la crise, et surtout les valeurs, besoins et désirs artificiels façonnés par la société de consommation.

    Sur scène, il y a 6 acteurs : ils forment une ligue ( ?) de super-héros dont le membre semblant le plus expérimenté et imposant en serait  le leader. Tous ces personnages s’animent tour à tour individuellement ou collectivement pour tantôt chanter ou exprimer son point de vue ; tantôt pour danser collectivement ou simultanément. C’est d’ailleurs ces images de chorégraphie collective en costume de super-héros, façon comics américain, qui font la plus forte impression. Il en est de même pour la « scène du roller » où l’un des acteurs mime un ressenti intérieur en l’extériorisant de façon à ce que le spectateur ressente lui-même les « sensations » du roller : le vent dans les cheveux, la sensation du sol qui défile en dessous de nous, etc.

    Le décor a également une grande importance dans la pièce. Les grandes cloisons de contre plaqué  de part et d’autre de la scène, les rangées de néons au plafond et à l’arrière scène, rappelle l’idée d’un décor neutre, type bureau ou salle d’attente, et confère a la scène une impression d’espace, mais aussi d’enfermement.

    On peut être étonné devant la capacité qu’ont les acteurs ; pouvant se concentrer durant une aussi longue période tout en dansant, chantant (superbement, en plus !) et jouant un texte dont les répliques, difficiles, sont dans un vocabulaire complexe et recherché.

    En définitive, on peut dire que cette pièce est un divertissement complet, car elle a su captiver le spectateur durant près de 2 heures grâce à ses chansons, ses « effets spéciaux », son humour, ainsi que les ressorts liés au monde du spectacle. Elle parvient également à faire rentrer le spectateur dans un monde, une sorte de bulle en dehors de la réalité où les mots ont une sonorité austère; mais qui, passé le moment d’adaptation, révèlent une certaine douceur, une joie de vivre, malgré l’artificialité de nos existences ; car ce monde, en définitive, c’est bien le notre. On ressort donc du théâtre content, heureux d’avoir passé un bon moment.

Nous irons voir notre troisième spectacle, "We are l'Europe", ce jeudi 26 novembre, au Théâtre 71.
RV à 19 heures devant le théâtre.

La durée du spectacle est à peu près de 2 heures. A l'issue de la représentation, je vous propose d'assister à une rencontre avec les comédiens et le metteur en scène, pendant une  demi-heure-trois-quart-d'heure. Comme ils font relâche le lundi et qu'il ne pourra pas y avoir de rencontre au lycée, c'est un bon moyen de pouvoir discuter avec eux.

A demain!

       Avec cette pièce, on découvre le cadre de vie d’une famille formée d’enfants des rues vivant « dans un ancien abris souterrain contre les bombardements », portant des noms de fruits, et parmi eux, une jeune adolescente qui au début à 11 ans et 14 à la fin. Dans la vie qu’ils mènent, « la nourriture, les tâches, les odeurs, tout se partage. ». On suit donc ces enfants dans leur chemin de survie et d’espoir.

   La mise en scène est assez particulière. En effet, la scène est plongée dans le noir complet, ce qui permet l’utilisation d’une caméra infrarouge, pour filmer les deux comédiens présents sur scène. A cela s’ajoutent deux écrans sur lesquels sont projetées des images tirées d’archives, des images authentiques qui traduisent la dureté des conditions de vie de ces enfants. Le caractère tragique de la pièce – notamment avec la mort de la plupart des personnages à la fin- est toutefois atténué par la « langue bleue » de Kiwi, qui parle de manière poétique. Cette « langue bleue » est avant tout celle de Daniel Danis, celle qu’il utilise dans l’ensemble de sa pièce, et qui nous transmet un puissant et intense message d’espoir, celui d’enfants qui se battent pour se sortir de « ce monde dégueulasse à chier » dans lequel ils vivent.                   

       Les thèmes abordés par la pièce sont divers : celui de la prostitution, de la misère, de la mort, de la drogue et avant tout de l’espoir, souvent repris avec l’exclamation « Les canards ! Les canards ! La lumière ! La lumière ! » de Kiwi et « on va s’en sortir » de Litchi. 

      Aux voix des acteurs s’ajoute une musique vibrante qui semble emplir tout l’espace de la salle plongée dans le noir, aussi intense que la pièce elle-même. Les acteurs sont habillés de manière neutre, avec des sweat-shirts à capuche sombres.                                                                                Le fait d’aller voir cette pièce nous permet de nous donner de ce que nous allons jouer, ce qui n’est pas forcément aussi évident qu’avec le texte seul. Le matériel employé lors de cette mise en scène, mous ne pourrons certes pas l’utiliser, mais nous allons nous inspirer de cette pièce pour la mise en scène de la notre, peut être dans la mise en scène du mariage.